为什么漫画拍成动漫时间那么久
㈠ 为什么漫画10话的剧情制作成动漫就有一两个小时的时间
再短的漫画都能改编成动漫，往里面加作料啊，原创，再说鬼灭又不短做一个剧场版时长足够了，要是把这个做成动漫能拉出来12集你信不
㈡ 制作一部动画片为什么要那么久的时间啊求解！
先不论前期剧本的安排，要知道动画的每一帧都是要画出来的，再加上声优配音，bgm的搭配。
㈢ 动漫制作时间怎么那么久
如果你自己去做你就会知道有多累
每一个不同的动作都是要画的，一个细微的动作大概一帧，电影特效什么的一秒就需要24帧
刚出的时候更的快是因为之前有存货，到后面就没有就要一点一点做了
㈣ 日本动漫两个小问题！
因为楼主认为好看的并不代表所有人，日本漫画总排行里，前几名都是楼主听都没听过的女性向漫画
漫画一般要连载1年半左右，有足够内容才会动画化，并且有的作者并不想过快动画化，以免赶超漫画进度
动画里出现的场景基本是以现实为模板，记得网上有刊登过凉宫春日实景取景照片，动画场景与现实场景基本一致，另外漫画在创作工程中，很多背景是参照专业漫画背景素材图刊，里面都是现实场景取景照片，所以熟悉，相似是很正常
一，好不好是看个人的吧，而且分很多类人，有按年龄分的，什么成人，少男少女，小孩，其它也分什么情感类，科幻类，格斗类，还有好多好多，我意思是，你认为好看的，人家不一定认为好看，对吧，加上，如果那个出版社，或者说公司，没这个资金，怎么会拍呢，而你说动画隔很久，那是当然的，动画里可多的是工作了，就就说音乐，你也可能一两天就作得出来吧，总有个时间，人家偶像也是隔个一年才出专辑啦，而且，不一是全部动画也是隔这么久的，最近完结的钢炼，漫画也是刚完结啊，银魂也是动画比漫画快了才停的~~！！
二，东京，那大公司都在大城市吧，而且也不指有东京啦，很多地方都有，而且，漫画动画 的世界是强大的，小到玻璃罐，大到外星球，都有可能是故事发生的地方，而说什么摆设的，同理，有人喜欢写实，有人喜欢科幻，总有是类似的，他们也是人想出来的嘛，有相似是正常，而实景的，我认识的有一个，新海诚，他画的风景超美，都是在外摄影取影画的，那个漂亮啊。呵呵~~
㈤ 日本漫画如果拍成动画，大概多少话一集
一般漫画的第一集比较多，所以漫画第一集可能会拍2-3集动画，因为动画会删减一些内容，所以具体的很难说，不过大约会有1又1/2集的漫画拍成一集动画！制作一集动画要很长时间，因为不像漫画一样画出来而且在动画里有很多是漫画里没有的，对于动作一个一个的重复，，是个很难的工作啊！纯属本人见解！
㈥ 将一部漫画动漫化要多长时间
海贼的动画制作在日本只要一周的时间=
=
每周都有新海贼动画这不是明摆的么
但是要把同样的漫画内容制作成动画最快也得等一个大场景故事结束后才可以，因为日本动画每星期都出(一集20多分钟）而漫画每星期才出十几页，动画出的速度很容易超过漫画，所以一般最快也得等漫画出了3个月左右相同内容的动画才会出，这也是为什么长篇动画在主线故事中老是出什么番外篇，外传，特辑的原因之一
对比一下海贼王的漫画和动画就能发现
楼下的
4天就能出动画？你当小日本都是超人啊？
㈦ 为什么有的漫画会拍成动漫
因为很多的动漫都是先有漫画的或是由小说改编成漫画的再制成动画的。所以一般都是先由小说或漫画这样来连载，如果获得高人气就会由动画制作商或编辑部来商量把什么小说或漫画制成动画。若是动画第一季有人气，小说或漫画的连载还在继续，那动画就有可能制作第二季、第三季……什么像《海贼王》、《柯南》等的制成长篇动画。当然若是小说或漫画的连载不长，例如短篇漫画、中篇漫画等就有可能制成较短的动画，例如一季就完结的，或者两三季的等等。
但又有像《花开伊吕波》这样的动画制作公司的原创动画。就是不是由小说或漫画改编而来的，有动画制作公司自己创作的故事而整成的动画。
㈧ 为什么网络小说改编的动漫都是10分钟左右 片头片尾都用了5 6分钟内容就只有几分钟不能长点吗
长了哪有经费啊，经费根本烧不动啊，还有人力也要命啊，你看日本哪个动漫公司不是混的各个压力巨大嘛。
㈨ 漫画是如何做成动画的
步骤比如：1、剧本 2、原画。。。那建模、角色、设置、特效等....
前期：
名词：
脚本,故事板：
脚本中不仅是你的故事，还有客户的要求以及最后所要达到的目标即片子的定位、风格、特点等等。
故事板是各部门的工作人员独立作业的依据，所以有必要详细一点（程度要看具体的项目了）。
这两样东西组合以后，在电脑里加上时间就是最早的一部样片了。（主要用于初步的讨论）
设定：
角色设定包括角色的造型和主要的表现特性的动作，可能还有一些表情和主角用的特殊道具等等。有的片子里还有特殊的道具设定。
背景设定包括片子里几个大的场景的手绘彩稿等等。
资料收集：
如果你的客户已经提供详细的资料，那会非常方便；可实际上手头的资料往往不够，那么收集资料的工作是必要的，这些资料可以成为跟客户确定最后效果的依据。
工作人员：
这时候主要的工作人员都要找齐（包括各个部门或者环节的主要负责人），相关的技术人员也要找到（有的时候你只是这个项目需要一个这方面的技术指导，那么就只要找一个临时的）。
软件清单：
需要使用的软件清单，如：三维软件，办公软件，一般的压缩工具等等，二维的绘图软件，后期软件，所需要的一些重要的插件和一些内码等等。
流程：
主要创作人员根据客户的要求制订脚本；接着开始做出初步的故事板和设定，同时找到所需的资料，并且确定所需要的技术及人员，确定项目的可行性；然后确定脚本，故事板及设定。
注意事项：
前期的内容一定都要确定，大的框架在这时已经形成。制作中很多影响大的改动都是牵一发而动全身的其后果也往往是很严重，而且要对工作人员有相应的补偿。前期的准备往往很花时间在沟通上（包括内部和外部），费心费神，但是会为以后的工作带来很多便利。
样片：
样片里应该包括这个片子里的主要的大场景和主要人物和一些重要的镜头，画面的效果，整体的风格，特点等等这时候应该已经差不多都出来了。
修改意见：
客户这时候给你的应该是关于这部片子的整体风格等各个方面最终的修改意见，这时候就是真正确定的时候。
技术问题：
让客户看到差不多的效果后，主创人员要确定正式制作时不会有大的或者解决不掉并且影响全片的技术问题。尽量不要在已经开始制作以后再加一些技术，有的时间这不一定能提高片子的水平或效率，虽然表面上看起来这个技术是先进的，但是要一个团队的所有人再重新掌握一种技术，花的时间就不一样了。所以做一个样片，不仅是给客户也是给自己的，大部分技术问题应该在这里就要解决掉！
时间表：
通过样片的制作，项目负责人根据样片制作的周期来安排正式的时间表。
流程：
主创人员开始根据前期已经确定的故事版来确定需要做哪几个镜头，部分已经进入团队的工作人员开始制作角色和场景；然后一起完成这个样片。制作的过程基本上跟正式制作是一样的，除了原画要在角色的模型上直接调整动作。
注意事项：
样片其实就是对正式制作的一次演习，并且样片会决定客户对于这个团队的信任程度。所以样片的制作可以简单，但是不能马虎（简单是说有的东西可以因为时间而不用考虑）。同时，对于团队内部已经制定的流程也是一次实练，一经发现问题，可以及时修改补充。
准备：
设备：
包括各个部门的工作人员的电脑以及至少四台渲染用机和一台服务器。电脑用统一的GHOST备份,所有人的电脑装的软件应该都是一样的,如果有升级等问题,应该请系统统一安排。
人员培训：
参与进来的人员，一般都是有基础的，但是总项目的要求要统一，而各个具体的分项目的要求不同，技术、画面、包括工作习惯等都会不同。这些都要通过一定的培训，让不同的工作人员彼此能比较容易地沟通协作，完成一个项目。这是初步的共识，同时建立起大家的对这个项目的团队概念。
文件准备：
各部门至少应该有一份故事板
工作目录：
MAYA这个软件自身就已经设置了详细的工作目录，但是这是不够的。一个小的项目，在制作的时候会有好几个阶段，已经通过跟没有通过的不能放在一起，上过材质和没有上过材质的，已经做完动画和尚未完成动画的等等。最重要的是渲染的分层图片要有规定的地方放置，这可是前面大部分工作的成果，要小心保存。所有的文件都应该从服务器上统一调用。
文件命名：
所有的文件命名都应该有统一的格式，让其他的工作人员可以一目了然。同时要注意的就是如镜头和动画都会有小段的样片，这些样片的格式、尺寸、都要统一以便串起来连续播放。文件的命名最好用英文，而且不要太长，现在的系统允许有很长的名字，但是这一方面并不是那么方便，另一方面如果目录很深，在最后的资料备份上可能会有问题。
消息沟通：
内部公共消息的发布或者通过内部的电子邮件或者一些其他的方式。也可以安装一个内部的聊天系统，不仅及时发布消息，同时可以作为内部的沟通工具，但是这要注意把内容整理好以后再发给相关的工作人员。一般不建议在解决的问题的时候口头决定。如果有会议的话，应做好会议记录，再整理好给相关人员。以备查案。
时间表：
如果发布，根据样片的测试，调整出详细的时间表。各个部门工作的具体内容（根据故事板，详细具体镜号）。
资料准备：
资料的准备包括的东西很多，各个部门至少两份故事板，所有的相关资料和表格要分发到各个部门。已经在样片中完成的角色和场景也应该在服务器的目录中随时可以给工作人员调用。各份表格也应该放在统一的目录中，由制片统一整理上报进行修改和上报。
测试：
测试的内容包括材质、动画、渲染、特效等一个部门的独立运行或几个部门的协同作战，以完成一个镜头或者别的内容为目标。也是流程中关系重大的一环。测试的结果往往是各个环节的确认标准。要注意的是，测试可能是随时随地的，正式制作开始以后，也会需要很多测试。
分层渲染：
在这时候也应该确定好大致的原则。分几层比较合适。
尺寸：
你要做的动画片的尺寸，（样片应该跟正式片子是一样的）。测试时的尺寸，原画和镜头部门小样片的尺寸（这两个以看清为准）。这些尺寸应该都是同一比例的。
注意事项：
准备期其实跟样片是同时进行的，同样是为了接下来正式制作时团队更好的运转。有的准备工作是根据样片制作得来的，有的则直接从前期后的工作开始。准备的时候应该把前期的不足尽量全部补掉（也就是前期中的那几项，全部都必须再次确认好)。任何一点修改不仅影响到正式制作时的流程、时间和工作方式，也会影响工作人员的士气。
准备期间，整个项目的完整框架已经出来了，接下去就是要填满它。
部门
主创：
导演，美术总监，技术总监，部门负责人。
主创人员要时刻注意项目的完整性和连续性。
行政：
项目经理，制片（内制及外制）。
制片是所有人的助理，起到协条各部门之间工作的作用（特别是出现问题时）。因此要对整个流程非常熟悉，并且要清楚地知道各个部门甚至各个具体分项目的进度。同时为了方便工作，制片可以根据已有的文档设计出方便自己使用的文档。
建模：
场景，角色，道具。
材质：
场景，角色，道具。
以上两个部门也可以分成：场景，角色，各部门再配置相应的材质人员，道具这时候可以归入另两个部门了。这两个部门在制作时需要根据项目表进行制作，并注意考虑到渲染和动画制作等问题。
分镜：
每一个镜头都要跟导演沟通。在动作完成以后，对镜头再进行一次调整。而分层的渲染的确定也可以在这两个环节中完成。项目完成以后，要做一个小的样片以便导演检查确认。
动画：
跟据定好的骨骼调动作。还包括表情动画等等。项目完成以后，要做一个小的样片以便导演检查确认。
灯光：
灯光部门打完光以后，要在每一镜里放一张样张，以方便渲染人员做核对检查。
特效：
在镜头部门工作的同时可以试验一些项目，以达到最好的效果。
渲染：
一般在中期就可以正式开始了，分层渲染经常会出现问题，所以一定要在开始以前保证其顺利进行。
制作期:
这是周期最长也是最重要的部分，自然问题也多。
名词：
制前会议：
这个会议上，所有的主创人员和工作人员都要到场，由主创人员讲解整个片子的内容、风格、画面、注意事项等等。要让团队中的每个人做到心中有数，明白自己所处的位置，自己工作中相关的人事物，并且现次达成共识，建立起大家共同的信心。
工作分配：
工作分配在各个部门有不一样的概念因此也要有相应的分配原则。各个部门可以根据项目表和时间来分配。但是都应基于公平原则。
确认标准：
主创人员根据项目的画面风格等进行标准的制订。各个部门分别有其相应的标准。
通过：
通过的工作至少是由三个人完成的：制作人员本身，这个部门的负责人，导演。每个部门都应以分到手中的标准来进行检查确认。而不得由某个人的主观来决定是否通过。
退修：
在每一个环节的制作过程中，都要按时交出工作给导演或者相关的负责人进行检查确认。通过的才交由下一部门继续进行。未通过的项目则给出退修意见，进行修改并再次提交。
工作时间段：
工作时间段分两种。一种是大的，针对整个项目而言，可以以制作的镜头数来分或者以节日等时间段来分。以便主创人员掌握大的进度。这是时间表的一部分，同时关系到对客户的的报备。报备的内容包括了时间表等进度性的东西，也应该包括已经完成的内容。
另一种是小的，由主创人员根据每个部门的事实情况决定——这是很灵活的，随便可以进行调事。周期可以从一天到一周不等。这也是时间表的一部分，同时也是周报和项目按时按质完成的保证之一。
工作习惯：
每个工作人员最好养成一开电脑先上公告板的习惯，从而减少对人力的需要。按时填表按规定命名等都应该在人员培训时就养成。这不仅是你个人的工作习惯，也为相关的工作人员带来便利。考虑一下，如果你的接到一个前一环节做得很漂亮分项目，你会觉得很方便，那么你做得好你的下一环节也会很方便，一次做好比反复为了一些小的原因而修改快乐得多，不是吗？
问题解决：
如果出现问题，可以以内部聊天的方式进行讨论，然后发邮件或公告消息给相关人员。如果是部门间的，要让部门负责人和制片知道。然后有制片联系相关人员统一协调解决。如果进度上有拉后，也要通知相关的人员。
问题判定：
一个问题出现了，在解决的时候要注意，有的时候这个问题表面上是技术问题，但是深究下去会有可能是流程问题。如果是流程问题，就要考虑好是否要对流程做出修改。
未通过：
有的东西是没有通过的，但是不等于不能用，有的部门可能会因为上一环节的东西没有完成或者没有通过而无可事事，但是最后的时间表是不能拖太久的，那么这时候就用这种比较不是很经济的方法，把已经制作的但是尚未通过的项目先拿过来做，那么通过之后很大部分都只是会有一些小的修改，不排除会大修，但是如果前期得够充分，那么这种情况是很少的。
流程：
制前会议以后，各部门分别讨论部门的进度和分配。（部门间的协作问题应该在样片的时候已经基本解决了。）
接下来建模部门把片中主要角色的骨架、角色及场景的低模放到服务器的相应目录中。（在样片的时候应该已经做好高模了）。这时镜头部门便开始他们的工作。这时候可以先用低模进行工作。当动画通过后镜头重修时再把低模换成高模。（场景）
建模部门的低模出来后，原画部门就可以开始进行主角初步的动画制作，（如一些使用比较多的动作——也就是建立一个动作库为以后的动作制作带来方便）。镜头部门完成一部分工作后，由动画部门接手完成镜头中的动画。其他的表情动画则可以稍后再同其他角色的模型做完后一起制作。由于是先做主角的动作，所以动画部门的时间表是要注意的。做表情动画的同时要把所有的镜头中的低模换成高模。（角色）
当镜头部门完成他们的低模镜头后，特效部门也开始初步的工作。
当建模部门的高模出来后，材质部门立即展开工作，同时要同动画部门协作测试每一个模型在上好材质后进行动画的效果。
灯光部门在材质完成以后就可以开始打光了。如果时间紧，可以先用低模无材质的镜头做出非常粗略的效果。
当第一批镜头的高模镜头完成，特效和灯光部门就可以开始正式细致的工作了。
接着，渲染部门的第一次正式工作也开始了。这之前渲染部门则协同材质及动画部门一起进行测试。
制作的流程到渲染结束就是告一段落了。
注意事项：
在制作中，一开始的工作可能会不太顺利，出现很多问题，一旦解决后在速度上会快很多，但是出现问题时一定要认真解决，同时考虑与这个问题相关的可能出现的问题。以上的流程中每到一个环节都要经过确认通过后才能进入下一环节的制作。
后期
对已经渲染出的图片和特效等进行合成加工。最后的剪辑，修改。各个方面的补遗。
表格
时间表：
一般来说，有经验的主创人员都曾经做过动画片中的大部分工作，对于时间的估算应该是有一定的准确性的（但是有的时候会有一些意外的因素产生影响到时间表的确定）。
时间表一般用PROJECT做，分为内部使用和外部使用两种，外部时间表主要面对客户和项目总负责人；内部时间表主要面对团队内的工作人员，各个部门有各个部门的时间表。外部时间表一般是各个部分总的制作时间。内部时间表则详细记录所有的项目、时间、人员、相关项目等等。中间为了管理方便还会有一张介于两者之间的时间表，中间可以包括各个部门的负责人和一些独立项目的情况。
时间表的确定在项目进行的时候也会不断地进行调整。
时间表同时也是对各个部门内或者部门间人员调整的依据之一。
镜头表：
镜头在这张表中详细标明镜头号，秒数等等。一般会以背景为依据来分出场数再分出镜头。同时为了方便，会标明总的镜头数等等。这可以根据具体项目来定。
律表
项目表：
项目表相当各个部门的工作明细表。上面会有各个项目的主要内容和大致情况。相对于各个部门的，会有一个备注标明这个项目的分类和注意事项等等。项目表是为了分配工作的时候更合理，如哪些镜头是连镜的等等。同时在制作时需要注意的一些协作上的问题。
文件表：
文件表应该包括详细的文件目录放置路径和文件命名方式及其说明说明。这张表最好贴出来以提醒大家注意。
周报：
这是对于每周的工作小结，每个工作人员的工作内容在这时候可以很清楚的列出来，以便项目和部门负责人做出及时的调整。
问题列表：
这张表应该详细记录从样片开始的所有出现的问题，包括项目名称，内容，时间，相关事情，相关人员，解决方式等等。不仅作为记录，也为下一个项目中可能出现的问题作好准备。通过这张表格，我们可以比较清楚地看到团队或者流程中出现的问题，从根本上解决。
有大片的地方供导演和主创人员详细列出个各个分项目的退修意见。可以在前面标出退修的类型。
接单表：
这是每个部门独立的表格，分发到每个人的手上，是对于团队中每个人的绩效考核，也是在项目进行中随时对工作人员进行调整的依据之一。
律表：
动画部门特有的表格。类似于传统二维动画中的律表。
产量表：
这张表相当于月报，记录工作人员一个月的工作内容和工作情况。是考绩的参考之一。
注意事项：
根据各个项目的实际情况可能还有一些其他的表格。这里不一一赘述。
结束语：
流程是灵活多变的，因为各个项目的内容、风格、使用软件的不同而不同。也跟团队中的人员有关，只要大家都达成共识，愿意以某个定下的流程来开展工作，并且确实地执行就可以做得很好。
㈩ 制作一部日本动漫多长时间
据我个人了解 制作动漫的时间是由质量和投资的大小决定的,少的半年左右 多的几年以上都有 20集的动漫时间可以说很少 投资也不需要多大 半年左右应该没问题 但是如果
投资方另有想法或者要求高的话也不一定的 这个问题你应该自己可以解决啦....下面还有一些找来的资料
不是针对你的问题 不过可以让你有些了解
日本动画行业发展到今天，是有很多东西值得我们国人所借鉴和学习的。看的时候请大家清醒一些，不要带有情绪。
日本动画制作幕后揭秘
1、策划
2、制作经费
3、动画前期一:脚本
4、动画前期二:导演的工作
5、动画前期三：分镜图和副导的工作
6、动画前期四：人物设计和人物设计师的工作
7、动画前期五：机械造型设计和背景设计的工作
8、动画前期六：色彩设计及色彩指定的工作
9、动画中期一：构图,原画和原画指导
10、动画中期二：动画师
11、动画中期三：着色/上色人员
12、动画中期四：特效及特效人员
13、动画中期五：摄影及摄影效果
14、动画后期一：剪接
15、动画后期二:音响1：配音及声优
16、动画后期三:音响2：音乐，效果音及合成
17、试映,宣传,行销
第一回 制前作业第一步的前一步
普通在进行所谓的动画制作之前，常有一段为时不短(或有点痛苦)的“制前作业”(英文:Pre-Proction 日文:准备段阶)。制前作业是指要开始制作的准备工作.但是制前的前面呢?
制前的前面是“策划”(日文:策划段阶)
“策划”又分为两种。第一种是在每一年度的策划会议里，动画公司的老板(英文:boss, excutive procer, 日文:社长, 策划)或有点伟大有点发言权的制作人看到一本颇有趣又出名的漫画或小说，觉得拍成动画应该会蛮赚钱的，于是就打电话给代理那本被相中的漫画或小说的代理商问问看是否拍成动画的权利已卖出,如果没有那就开始进行“有时长有时短有时痛苦有时快乐”的权利交涉。如果您在动画的片头一开始看到“原作”这两个字大都是属于这类型。
另外一种是动画公司旗下的导演(英文irector,日文:监督)或动画家们觉得自己天马行空胡思乱想不画画不按时交稿作白日梦的结果拍成动画应该颇有趣的就自己开始写策划书然后交给老板过目。幸运的，策划通过的话，就由老板或制作人四处奔波找金主...啊，不是，赞助商来一起响应伟大的策划。如果您在动画的片头看到“原案”二字大都是属于这类型。
交涉成功或策划通过后
让我们先谈原案企划通过的状况下动画公司的下一步骤。
动画公司基本上都没有独立制作动画作品(不管是TV或OVA)的经费,因此动画公司想要作原案作品时最重要的是提出企划给赞助商(*1)看他们有没有兴趣投资。如果赞助商对动画公司提出的新作品企划没兴趣或认为此商品(*2)没有市场价值,那么那企划100%不会再见天日。
相较于原案,原作(*3)的动画企划通常会比较容易通过赞助商那一关。因为原作基本上已有固定的顾客群(*4),赞助商们比较有心理上的保障而愿意投资将原作改编成动画而由贩卖相关产品来回收投资。
那么企划以什么样的形式提出给赞助商呢?
以美国的制作公司来说,他们会先制作Pilot Film。所谓Pilot Film是指作品的精华短片,那是提出给赞助商说服他们投资时的主要利器。但是在日本,动画公司通常没有制作Pilot Film的经费往往是以纸张形式的企划书或脚本呈交给赞助商。因此在制前作业之前可能脚本就已经完成了。因为越让赞助商了解原案作品的"有趣之处"就越能打动赞助商的心而得到制作经费。
第二回 如何计算制作经费
理论上的计算程序很简单。
假设某一家影视公司估计一部动画作品(指一部30分钟的DVD)可卖1,000套,再假设一张DVD卖4,000日币,
1000套 x ￥4000 = ￥4,000,000
那4百万日币就是制作经费。分给各制作部门的经费通通包含在这4百万日币中。例如我们之后会介绍的动画导演,人物造型设计师,分镜图人员,主镜动画师,基层动画师,音乐设计,色稿人员,编辑人员,包装设计...等等等等。
这样说来,计算经费好象很简单。但是实际上,如何估计一部动画作品可销售多少套那就要靠影视公司制作人的销售经验,动画导演的知名度,人物造型设计师设计人物的魅力和声优的热门程度。这些人为因素使得估计制作经费成为一件不是简单的事。例如某有名的导演导的动画电影每一部都成为日本电影票房纪录还会在国际影展中得奖,那幺赞助商给他的制作经费就会高出其它作品很多。制作经费充裕之下他就可以多加镜头的张数,请较有名的声优(或演员)和音乐制作群来提高商品的知名度和宣传效果。如果是一位没有“业绩”的新人,那幺经费就可能比较少了。因为影视公司没有比较的基准(新人的业绩)所以对这新企划的投资会比较谨慎。
第三回 动画前期一:脚本
从左边的分析图来看,我们已大致在前几回说明了制前作业之前几个重要的步骤。从这一回开始,我们将要开始逐一说明制前作业的流程。 如图可见,第一个也是最重要的步骤是“脚本”。所有的人物设计(*2),机械设计(*3)和美术设计(*4)及导演均要照着脚本来构图。因此在不管是什么样的企划,脚本在制作过程中占了相当重要的角色。
我们在第二回中提过脚本可能在企划案阶段就已经完成。那样的情况下,企划通过后脚本是否再度修正呢? 这要看制作人和导演的意见。在左边的图中可见到制作人(*5)三个大字。负责一部动画作品成败与否是制作人。因此,如果制作人对脚本有意见(不够吸引人..)脚本作家(*6)就要修改脚本。当然如果导演对脚本有意见而制作人也赞同导演的意见时,脚本的修改也是必然的。再者,虽然导演不同意初步脚本而制作人认为没有必要修改的话,脚本就不会被修改。
一般的动画公司都没有专属脚本作家,大部分是请自由身分作家(这些作家们有的是作SOHO族,有的是和几位志同道合的作家成立工作室,如有名的Studio Orphy)来写稿。 不雇用专属作家的原因是因为脚本并不是一年到头都需要的部门。所以只要在有需要的时候和脚本作家签项目契约即可。 不过少数历史比较悠久的传统动画制作公司里仍然有专属脚本作家部门。
脚本的写作并不是一件简单的事。不同于小说的是所有的人物动作及感情都需要以旁观者的身分详细描述,例如一个角色很生气, 由于每一个人生气的方法不同所以不仅要描述他如何生气也要非常详细地描述他的动作来说明角色的个性和特征(例如:太郎火冒三丈=太郎握紧了拳头,眼睛咪成一条线,额头的汗如何如何的滴下,头上的火如何冒三丈...)。 脚本特殊的写作方式使得一位小说家有时并不能成为好的脚本作家。而好的脚本作家也不多见。
第四回 动画前期二:导演的工作
导演是整个动画制作群的领队。日本动画业界里没有一定的基准来评断做导演的资格。目前出名的导演们成为导演的过程都不相同,有些是从电影业界转行,有些是从动画师做起,也有些是脚本作家兼导演,也有些是一开始就从事导演工作。大致上来说.动画初期时代的导演大部分是从制作管理(*2)参予动画制作多年后升格做导演或电影业转行开始。但随着时代的迁移,目前大部分的动画导演都是由动画师开始做起。做导演的魅力在于可以自己决定作品的方向。但是由于导演决定一切,工作繁忙且作品的成败大任也在于导演身上。因此并不是每个参予动画制作的人最终目标在于做导演。而有心想要成为导演的人不管从什么工作开始,只要有心,成为导演并不是困难的事。
以下为导演们实际工作的大略内容:
1、制前作业:
* 和脚本作家及制作人敲定脚本
* 分别和人物造型设计师、机械造型设计师、美术设计师开会将各设计案定稿
*制作分镜图(*3)(有时是副导演制作)
2、制作过程中要和副导演(*4)们谈每一集的制作方向
3、制后作业:
* 和剪接师编辑影片
* 指导声优们及音响导演制作出理想的效果
* 影像及音效合成。
4、参予所有的宣传活动
第五回 动画前期三：分镜图和副导的工作
以下为日本的分镜图(欧美多为横向的表格,您可以在美国的Cartoon Network网站中的Studio Tour的“Animation”项目中略知一二)。分镜图简单的来说是“以图像呈现的脚本”。画分镜图的时间靠制作日程表的不同而有长有短。平均26分钟动画的分镜图要花3个星期完成。分镜图不需要很正确的将人物造型画出来,只要能让之后的工作人员看的懂就可以了。尽管如此,分镜图师还是需要事先练习每一部作品人物造型和了解作品的特色才让原画师(*3)靠着分镜图正确的画出每一集副导演所需的镜头。
常常可以见到分镜图师和副导为同一人物。理由很简单。因为图面的设计人(分镜图师)通常是最了解每一个镜头需要的效果和声优演技来衬托出作品魅力的人。所以分镜图师大多兼副导的工作。
副导演基本上分担导演的重担。不管是集数较少的OVA系列或是26集的电视动画系列,导演一个人要顾全所有的制作细节是不可能的事。因此每一部动画系列都设了副导的位子来管理每一集的动画制作。而导演多半负责重要的第一集及最后一集。副导的工作内容除了不负责制前的脚本,设计稿和制后的宣传活动之外,基本和导演相同。但由于导演是整个作品的总指挥,因此在副导负责每一集的制作之前,副导所画的分镜图还是要经过导演的同意后才能正式分派工作给原画师进行制作。
第六回 动画前期四：人物设计和人物设计师的工作
动画制作是一个需要密切配合的团体活动。因此 一部好作品除了有好的脚本,经验丰富的导演,当然,具有魅力的人物造型是使作品更吸引人的重要因素。在本单元的第一回我们曾解说过动画作品有两种-原作及原案。人物造型的设计也因此而有不同。
将原作漫画改编成动画时,因为人物及服饰已经定型,所以并不需要再多加设计。可是为什么每一原作动画还是标明了“原作人物设计”及“动画人物设计师”呢? 第一,漫画是静态的作品,因为格数少所以人物的线条及服饰可以复杂来加深作品的美感及印象。但是制作动画时,如忠于原作人物的线条会使作画的时间加长而延长制作时间(及更多的经费),所以需要将原作人物的线条简化。第二,漫画人物因为不必着色,所以不必将每一线条连结。但是动画需要着色,所以必须改良原作人物造型将所有的线条连结以便着色人员(*3)上色。第三,有一些原作漫画人物造型并不适用于动画作品。为了制作效率,着色上及动画造型上的理由,原作动画需要另外聘用动画人物设计师。
原案动画的人物设计是比较需要创意及困难的工作。原案人物的设计案在交给人物设计师设计时都只是文字及导演口头上的指令(*4)。所以设计师只有靠脚本及自己绘图的能力来凭空设计出能够衬托出作品故事魅力并令人印象深刻的人物。此外还要考虑到制作效率的问题而不能画出线条太复杂的人物。因此,就算资深的造型设计师也有可能花一段时间(*5)才能定稿。
制前作业的人物设计完成后的人物设计图(请参考“冥王计划”网站里所列出的人物造型设计)。将分发给原画师来进行每一个镜头的制图作业。一个人物的设计图分为三种:服饰设计图,脸部表情设计图及局部装饰设计图。所有的设计通常分为正面,侧面,背面,及特殊表情(生气,悲伤或微笑等等)以便原画师仿真。
如何成为人物设计师呢?根据AIC的资深设计师们的说法：“很简单啊。一直练习一直画就可以了!”...嗯...事实上不是那么简单。同样的一个人物,每一个人画出来的风格都不同,有些吸引人,有些就看来平淡无奇。实在要如同他们所说的需要一直练习和磨练才能显出不同的风格。而且光是女性角色或只有动物画的很好并不一定能作为动画人物设计师。人物设计师的重要条件是要能广泛的画好作品指定的每一种人物,也就是说设计师的绘画能力要很有弹性的能应付每一个作品的要求。如果能充分应付制作公司的要求,再加上自己设计的原创人物够吸引人,就能成为众所瞩目的动画人物设计师。
人物设计师们需要的工具可以由上的照片看出。制图桌,铅笔,橡皮擦和一叠白纸是最基本的配备(有点废话...^_^;)。另外镜子是必需配备,因为人物的动作及部位有时需要看镜子里的自己来素描。其它的参考书籍及制图工具完全看每个人物设计师的需求,在这里就不详细描述了。
第七回 动画前期五：机械造型设计和背景设计的工作
多年前还没有专门的机械造型设计师。大多是由人物造形设计师兼任或由比较擅长电器机械之类的动画师设计。从“宇宙战舰大和(Space Battle Ship YAMATO)”之后到“钢弹勇士(高达)GUNDAM”才真正定位专业机械造形设计师。
机械设计师在动画制作上必须考虑到很多因素来设计每一部动画要求的机械造型。第一要在平时做很多的功课以满足接踵而来的多样的设计要求。第二要考虑到制作的日期及进度而设计“适当”线条的机械造型。所谓“适当”线条是因为如果线条多的话，虽然机器人或宇宙船看起来很COOL, 但动画师们画好一个镜头的时间会相对加长。可是线条太少的话，机械人又看起来太简单没魄力,因此作设计时适当的线条是很重要的。最后是对每一个动画世界的考察而了解并设计出能满足导演要求的机械战士或宇宙船。
要作为机械造型设计师的条件是必须有工业设计方面的知识及非常非常喜欢机械(例如汽车,摩托车,飞机,船...只要是金属做的)。
背景设计师比起机械造型来历史相当悠久，早从黑白卡通草创时代开始就有专业的背景设计师。背景设计师基本上要画的“又好、又快、又美”。那是我在这个单元一再提到的原因，动画制作的时间有限没有很多时间慢慢画，因此受欢迎的专业美术背景设计室动作都很快而且能应付紧迫的交稿日期。如何成为背景设计师呢? 这和作人物造型，机械造型师相同，要很爱画画而且躺着画也能画的很好(有点夸张,但动画业的时间很紧凑，能够在任何情况下一次OK的设计师虽然很少但相当受欢迎)。至于技巧或工具方面,你可以在本网站的连结页里的背景设计公司“Corporation Kusanagi”里的“HowToPaint”专栏里找到绘制背景的所需信息。
第八回 动画前期六：色彩设计及色彩指定的工作
所有的人物造型及机械造型设计完之后，导演及造型设计师们必须和色彩设计师共同敲定人物的色彩(头发,各场合衣服或机器人外壳的颜色..等等)。色彩设计必须配合整篇作品的色调(背景及作品个性)来设计人物的颜色。色稿敲定之后由色彩指定人员来指定更详细的颜色种类。
多年前还没有使用计算机上色(*3)时，是使用水彩颜料在白纸上来进行色彩设计(如左图)。水彩颜料的色彩多半不由各制作公司自行调色，都按颜料公司提供的色卡和现成的色彩种类来设计。不自己调色的原因很简单，因为色彩设计之后要由着色人员们来上色，如果自己调色的话，要各上色人员调出一样的颜色是很困难的。当然导演要求及经费允许情况下，制作公司可以要求颜料公司制作出所需的颜色再瓶装分发给上色人员。由于颜色的种类在色彩设计过程之前已经由颜料公司指定了，因此多年前色彩设计师均兼任色彩指定人员。而许多动画的色彩也看起来都一样。
现在的动画色彩设计及色彩指定都使用软件来进行(如右图)。各公司使用的软件(日本较盛行的动画专用软件为animo和RETAS!PRO)都不同，只要是处理影像的软件都可以进行色彩设计。要注意的是，各软件处理色彩的方式不同因此在交付给上色人员时要指定同样软件来着色。也由于制作方式的数字化以及选色的自由，使得目前的色彩设定选择范围加大及定出更为细腻多变化的色彩。
色彩设计师和色彩指定师都由基层着色人员开始。经过一年到两年的时间(按个人资质能力不同)升格为色彩设计师或色彩指定师。色彩设计和色彩指定人员最大的不同在色彩设计只要设定基本颜色(普通日照下的颜色,如左图)。配色人员要另外和副导演详细设定出其它光线下和各集所需的颜色(黄昏,夜晚,特殊光线..等等。) 作为动画的色彩设计及色彩指定要具有影像处理色彩的知识。因为各摄影器材显示的画质色彩不同，不全盘了解之下作设计及指定的话,在电视屏幕上显示的颜色会和在计算机屏幕上的效果大不相同而减少作品的魅力。因此基层的上色人员要花一年到两年的时间熟悉实际作业过程后才能升格作色彩指定师进而成为色彩设计师。
到目前为止制前作业以大致介绍完毕,以后的单元将分次介绍制作过程中的原画,动画,及着色人员。
第九回 动画中期一：构图,原画和原画指导
在分镜图和所有的人物设计和背景备齐后，必须有人将所有的材料放在一起画出放大的详细分镜图以便后续动作。执行这项工作的是构图人员。
您可从我们之前介绍的分镜图看出，分镜图往往只是一个草图，交代一个画面的大略景物。例如:在一个镜头里出现“小明和杰西站在运动会场中说话”，构图人员就须按照分镜图的每一格的大略指示、人物造型表(例)及背景画出人物(小明及杰西)及背景(运动会场)的详细位置关系放大图(如下图1,多为A4大)。如果构图中指示的不清楚会影响到之后的原画作业。完成后的构图和人物造型设计表交给原画师们请他们开始按构图画出更详细的主镜画面(如本文最后的原画图例(*4)。您可从例图中看出小明渐渐往镜头方向跑近.最后完成如左边构图例一样的拿着毛巾开始和杰西说话的镜头)。
原画指导的存在是因为一部作品中大多聘请2到4位原画师(依作品不同而有多有少)。每一个原画师画出来的人物都可能依个人的画风不同(或绘画功力深浅)而有些走样。修正各原画师们画出的原画稿并统一画风使其忠于人物设计稿是原画指导的工作。
好的原画师及原画指导必须对摄影镜头有一番研究来画好每一格主镜。电影可以请演员站在适当的位置摆出导演要的姿态。但动画只能用笔画出理想的位置和人物动作。因此能力及资质好的原画师及原画指导亦指能够根据摄影及剪接的理念画出理想的主镜画面(正确的人物的姿态及动作)。而据编者所知,许多资深的原画师或原画指导都相当热爱电影并对电影有一番研究。
原画师及原画指导多从基层动画师做起。因为升格作原画之前必须要了解及熟悉动画的制作过程，所以新人一进动画公司作就从事原画工作是不可能的。资质好又很用功的动画人员要升格作原画师再进而作原画指导是很快的。资质不好又不努力的只好一直担任基层动画人员。
动画是一个能力导向的行业,不管从事哪个制作部分,只要够努力加强自己的能力一定会被周遭肯定的。