油画为什么要涂显示不出来的颜色
① 在油画纸上作画，颜料涂上去老实不怎么显，是油画纸吸油的原因吗做一遍油底是不是会好些
油画纸纹理较粗，纹理间凹槽深，吸收颜料多，所以不显。可以涂刷几遍乳胶漆，加水涂刷。注意要固定油画纸，以免在干的过程中变形。涂刷后再画会好些，吸收颜料就不那么多了。掌握好涂刷的遍数，留有适当的纹理。
② 儿童画油画棒画老是图不好颜色是怎么回事
油画棒一般是画不出太多的细节的，只是作为大面积的涂色使用。
涂色的时候一般要注意：
1.涂色时，沿着一个方向涂，可横涂、竖涂和斜涂，这样出来的效果不会感觉涂的颜色乱。
2.一般选两种颜色相近的油画棒来涂色，之间有过渡。看起来自然。两种对比很明显的油画棒涂色会有脏色的哦。
3.涂色的时候可以用力一点，颜色附着力强，也会比较均匀。
我是画啦啦的喵喵老师(>^ω^<)
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③ 画油画为什么我总是看不到底色
底色？油画覆盖力强，也有稍微透明一点点的，或者画薄一点会有点点透明。
④ 油画为什么要上底色
油画不是必须要上底色的。一般只有古典油画或者写实类的油画才需要上底色。古典油画或者写实类的油画需要上底色，原因有以下几个：
1、上了底的油画，画出来的质感会好很多。
2、对油画进行防腐措施。在古典绘画中，底色通常以铁红为主（因为铁红便宜），而铁红底可以去除螨虫，有效的对油画进行防腐。
3、底色可以为画作“构建”基础，根据画面的亮与暗，创造颜色的深度。
一般底色的颜色越透明，色彩饱和度就越低。
至于底色到底应该使用什么颜色，要根据优化的主题和画者个人的喜好灵活选择。通常是用冷色底色画一幅以暖色调为主的画；用暖色底色画一幅以冷色调为主的画。
如果画肖像画，可以使用绿色（补充红色，混合皮肤的颜色）。还可以用互补色来构成构图的主色调。
单色底色的选择，通常有两种方式：
第一种：用与场景的主题相似的颜色。第二种：使用与整体颜色形成对比的颜色。
⑤ 油画中调色有什么讲究
认识色调，对于画油画而言是非常重要的，一幅油画的成功与否与色调的正确与否紧密相连。色调是色相、色明暗度、色饱和度的综合，油画颜料的调和就是基于上述三项不同组合，所以调色要认识色相，了解色彩的明暗度，了解色彩的冷暖，...
用于油画绘制的液态物质总的来说分四类：挥发性溶剂（松节油）、干性植物油（亚麻仁油、核桃油、罂粟油等）、树脂溶液（达玛油、达玛上光油等）、乳液（含有油和水的混合物）。真正在油画颜料中起媒介剂作用的只有一种，就是干性植物油，这是油画的主要养料，其它都是配餐。
常用干性植物油就是亚麻仁油，又分为纯冷榨生亚麻仁油、热榨亚麻仁油（这个不是用来画画的，如果有美术用品店卖，就是赚黑心钱的，别买）、氧化亚麻仁油（日晒稠油，这个是油画最佳调色剂，但市场上没有卖的，只能自己做）、熟化亚麻仁油（用铅丹热提炼的，有毒，目前西方禁售，中国市场偶尔有，质量很难说，上乘的熟油是仅次于日晒稠油的调色剂）。亚麻油干燥速度适中，所以它是最早普及的油画调色剂。（中国学生习惯水粉，什么都拿水比，根本不是一码事，水蒸发完一个水分子也不留，可油干了留下的是全部的大分子，有厚度有形状有透光度，决不能用画水粉的习惯去理解油画）。
相信初学者也会听过这句话，就是肥压瘦，油画讲究底层颜色少用油，上层逐渐增多，反之则会打滑，日后色层会剥落，具体来说有物理学的原因，比较复杂，不多说了。
油画是有透明度的，因为亚麻油干后是透明的任性凝固态层状物，颜色粉是均匀分布在油层中的，光照射上去会穿透油层，反射出里边色粉的颜色，所以油层的薄厚直接影响到反射出来的光的情况，油层越厚，光越容易污浊，亚麻油毕竟是有色的层状物，而且只要有厚度就会吸收阻挡光的反射。所以好的油画要尽量控制用油，油越少，越薄越好。伦勃朗的画是典型的例子，外行看起来色层很厚，而且罩染部分颜色透明感很好，以为用了很多的油，以为底层都是厚厚的油彩，甚至以为罩染部分应该是像水彩一样，用蘸着饱满的油的笔去洗出罩染层。其实完全不是。伦勃朗作画先制作肌理时用的调色剂根本不是油，而是自制的乳液，含水量很高，所以容易堆厚，而干燥速度很快，干后水蒸发走也不会使油层过肥。表层罩染则色层极薄，修复师们见证色层薄得不可思议，并非外行认为的油汪汪的。他的罩染部分色层也很多，多达二十层以上，而总体厚度仍然薄得很，这才是他的画迷人之处。以上就是关于油画中的油，这里说的是真正的油，其它的东西，可以看下边：
1，松节油：松香树脂溶于酒精制成的有机溶剂，强挥发性，记住这不是油，油的性质和溶剂是截然不同的，简单做个试验，找张白纸，滴一滴油，再旁边滴一滴松节油，过一会松节油挥发了，纸上应该毫无痕迹，而油的地方还是一个油点。这就是本质区别。
松节油的作用是稀释，用它调入油画颜料，可以稀释油的含量，同时，在松节油挥发过程中，会溶解并带走一些油分，所以用它调色干燥速度快，但表面发污，缺少光泽，一定要少用，油画最怕的就是色层污浊的感觉。而且含油少还容易降低附着力，很多人过去习惯只用松节油调色，后来那些画变色都很严重，而且开裂剥落等现象也很严重。
松节油正确的用法是按比例和亚麻仁油调和，在下边的色层松节油稍多，越到上层越少，最后完全不用。
无味稀释剂现在很流行，但建议不要用，那东西的化学成分也不公开，不知道是什么，安全性值得怀疑，关键是溶解能力根本比不了松节油，只是一种化工产业的代用品，国内美术用品市场根本没有规范，只要有人敢买的东西都有的卖，可你用了它将来画毁了哭都没处哭去。
2，调色油，建议不要用，不肯公开成分及配方的调色剂都不要用，这种所谓调色油其实很可能就是纯亚麻仁油，但是从颜色上来看，质量一点也不好，用差亚麻油调色，颜料变色会很严重。就别买。直接买纯生亚麻仁油，只能比它更好。
3，三合油，也是中国近十年来及其流行的一种傻瓜配方，含一份松节油，一份生亚麻仁油，一份达玛油（30%），这种调色剂适合初学的学生，因为初学者往往无法理解溶剂、油、树脂之间的差别和真正用途，更不懂得控制比例和用量，三合油一本万利地从表面上解决了这个问题，导致很多人直到毕业甚至一辈子也没学明白油画里各种调和剂的性质和用法。如果你对油画也不过是一般兴趣，学它也不指望学很深，就用这个好了。相当于配方奶粉，如果不想学很深入，够吃一辈子了。记住，用法很简单，一幅画可以从头到尾一直用它，什么别的也不用加，松节油买来就当洗笔水就可以了。
4，上光油，不是调颜色用的，绝不是，成分是达玛树脂溶于松节油的溶液，比例是1：3，性质是树脂溶液，用途是油画作品完成后的上光保护。用法是：油画完成后晾至干透（需要半年以上），将画放在台面上，面朝上，用软笔扫去灰尘，用潮的软布（不是湿的）轻轻擦拭，将笔触深处的浮尘吸附掉，等几分钟，水分挥发掉，然后用宽刷子（猪鬃）蘸少量上光油，快速按一个方向扫过画面，要保证上光油层均匀，完整覆盖，油层尽量薄，笔触凹痕处不要潴留。这层光油的意义有两个：一是统一画面光泽，形成一层较亮的表面，使颜色看起来保持新鲜感。二是保护色层，隔绝灰尘水蒸气。
但很多人从不等待油画干透就上上光油，因为油画从画完到表面摸起来不黏手的时间其实不长，厚一点的画也就一个月左右，会使人误以为干了，其实不然，这是封上光油，隔绝了空气，色层中的亚麻油接触不到氧气，无法完成干燥的自然过程，会慢慢变黑变污。如果等出现了这种情况，就无法挽救了。
5，达玛油，成分和达玛上光油一样，比例不同罢了，在西方传统绘画中，树脂不是用来调色的，它的性质不是油，更接近漆，油和漆是不同的，干性油干燥后表面有光泽，但比较含蓄柔和，树脂干燥后表面贼亮，令人不快。所以用树脂调色，画完后会显得贼，关键是它的流动性比油强很多，这对油画是很不利的，油画颜色应当有一定的厚度、可塑性，笔感才好，画出来笔触才响亮地道，如果用树脂或松节油调完，颜料都水了，到处流淌不成形，效果十分猥琐。三合油中加树脂的原因在于树脂干得快，有光泽，可以加快绘画进程，减少等干的时间，尤其对于没有耐心的人来说，可以从表面上避免吸油效果的出现，因为初学者往往分辨不出油画色层自然的光泽和达玛树脂造成的贼光，颜色变暗了也分辨不出来。但总的来说，三合油的稠度，并不适于地道的油画绘制，到底是代用品，如果有意深入学习油画技法，一定要早日摆脱它。
1.先讲松节油。松节油，国内油画家常用，是一种挥发性医用油。在油画的调制中，起稀释颜料的作用。一两分钟即可完全挥发，干后无光泽。所以，如果要做亚光效果，可用松节油进行全程绘制。并且，由于它挥发完全，干后没有残留，适宜薄画法，可以使色彩完全贴切在布面上。但油干后，色彩会降低明度，略显灰暗。这样，就要讲到调色油了。
2.调色油是常用油，挥发慢，往往要一两天才能干，干透的话，要一星期以上。但油干后，色彩的明度及鲜度不会有明显改变，画面显得湿润有光泽。油干后会有残留，有厚度感，较之松节油，把握程度较难。最好一次成形，不然等到油干后才能修改，时间拉得过长，画面的感受已经改变。所以，也可以将松节油和调色油按照顾一定比例混合使用，干得较快，色彩也比较亮.
3.上光油不可以调颜色.
4.油画的油和水的性质是一样的,都是稀释颜料的.只不过水粉画必须用水.油画用油可有可无.
我参考了很多资料，希望能帮助你，解决你的问题
⑥ 油画颜色上不好怎么办
如果是色彩出了问题，据我的经验，你有可能是以下三种原因：1、调一种颜色的时候，用的色彩种类太多，而导致颜色变脏；2、擦笔的时候，没擦干净，上一种颜色影响到这一种颜色；3、油壶太脏了……清理一下顺便换点油吧。当然出现这种情况还有可能是因为油画颜料的性质你没有能够完全把握，这个就需要你多积累了，一下子也说不太清楚，毕竟这个东西靠感觉的还是多一点。
⑦ 画油画诀窍和调色要点
画画，画的是画者对世界的认识与感受，不要执着于技巧！
油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来，艺术家在实践中创造了多种油画技法，使油画材料发挥出充分的表现效果。油画主要技有： ① 透明覆色法，即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。 ② 不透明覆色法，也称多层次着色法。作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。 ③ 不透明一次着色法，也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。 作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特的美——绘画性。 1:准备好所需要的材料!如(颜料油画笔松节油油画专用油油画调色板废旧报纸油画刀) 2:油画框用定做的比较好,一般是木头框!绷上油画布(麻布)!(根据自己想画的大小可以任意做).然后刷三次乳白胶!一定要刷到位!待干后就可以画了!这些东西在美术用品店有售!大学附近也有售! 一个框子加布如果是半开那样大的话售价在20元左右!具体还有什么疑问可以留言在你的问题下面!然后给你解决!有专门的入门书籍，从画布，颜色的设配开始。你已经学过水粉，应该已以有过素描的基础，相信应该会很快掌握的。 还有，刷一层白乳胶就行（厚薄自己掌握，效果会不一样），只要不漏油，我平常练习就经常这样画，效果还很不错。但这样的画不利于保存，也不便于展览，你可以尝试画在木板上，同样刷上胶，画起来感觉会很好，也便于保存。 油画和水粉在画法上相近 如果你有水粉基础 应该很快就能上手的，只是油画当然不象水粉干的这么快 所以在覆盖的时候要采用点小技巧：可以干了以后画（不是要全干，只要不影响颜色覆盖即可了） 也就是一层一层画，先打底，打底时用快干油，然后快干油的用量要层层递减，如果在堆颜色的时候发现需要修改 则要用刮刀刮去．我个人觉得水粉能画到什么程度 油画就能画到什么程度了～！那再介绍一下油画需要用的工具：油画颜料（马利，温沙牛顿比较好 别买美邦的） 油画笔（圆头猪鬃为主，扇形笔，刻画细部用的小尖笔），画框，调色油，快干油，刮刀，调色板，塑型膏（一般刚买来的木制调色板都会吸油，所以最好用塑型膏在表面涂一层），报纸撕成小块擦笔用（油画笔脏了不象画水粉水里一甩就干净了 它只能用报纸擦），松节油（既可以调色用又可以洗笔，这里的洗笔是指你每天画完后一段时间内不画时才用的办法哦，不洗干净画笔的话下次在用时笔就干了 而且很难洗干净几乎就废了） 差不多这些就可以满足你的油画愿望了～～ 最后提醒你，油画是需要很扎实的功底的,这需要长时间刻苦的练习,不是一句话就能解释的了的,艺术一途没有捷径,只有多练多看多想多请教 挫 挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。 拍 用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。 揉 揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法，颜色操合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。 线 线是指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软毫的尖头绪，但在不同的风格中，圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在早期油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦泼拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主，但尽管如此，油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放、工整或随意不拘以及反复交错叠压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。 油画 油画是西洋绘画中的主要的一个画种。用快干油质调和颜料，绘制在经过处理的画布、板、厚纸或墙面上的绘画艺术。早期油画采有“坦泼拉”（Temere）画法，即用鸡蛋黄或蛋清作为调料溶合矿物颜料作画，再作薄而透明油色罩在画上。15世纪，尼德兰画家凡? 爱克兄弟改用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂，使颜色易于调和，被广泛地运用。特点为运笔自如，并可层层敷设，提高色彩亮度，能较充分地表现物体的真实感和丰富的色彩效果。从此，新材料和新技法很快流传全欧洲。凡? 爱克兄弟因此被称作欧洲油画的创造人。20世纪初我国出现研习油画者渐多，其中李叔同（1880―1952）最早研习油画并把这种技法介绍到中国来。这确实是所有漫画人都在提出的问题：画漫画是个苦差事，前途看起来又不那么光明，我们怎么办？ 在这环境下，我不会走纯漫画的路线，而倾向在艺术家和漫画家中间摸索一个比较适合的方向，那就可以走出一条不一样的路。因为纯粹只画漫画，出路太少了，不要说家人，连自己也会对自己失去信心。创作是一种行动，自己给自己要求，有时可以少睡两小时而多画两页漫画，时间都由自己安排，而不是坚持每晚要睡八小时然后说时间不够。可是暂时很少见有人这样努力不懈，不惜一切地画画，而是将时间放在别的事情上。慢慢沉淀不用急……因为小朋友不会留意权力和金钱的重要性，所以做艺术的人最好像一个小朋友那样不理会金钱和权力，也不牵涉进入这些事务，才能做出好作品。这点是可以从以前的艺术家身上得到证明的，我们都要尽量去平衡所有方面的东西吧！
⑧ 画油画的时候为什么很多人都先上一层浅色的，然后又上一层深色的，这不是把浅色的给遮了吗为什么不直接
先是一层浅色是润色吧，背景衬托出来，只是把颜色严格的分层了，先表达什么后表达什么，应该多多观察一下天空或者风景，你会知道的，远处的景色比较虚，模糊，而且白天受光线的影响一定是亮亮的模糊景色，油画是自远而近，所以颜色就出现了层次感
⑨ 怎么做油画底子 为什么画油画要做底子
油画中的有色底是怎样制作的
首先，要弄清楚有色底子的性质和来由。油画底子从性质上分为吸收性底子，半吸收性底子，不吸收性底子。前者多为胶粉底子，比较吸油，多用于现当代油画，不吸收性底子为油性底子，颜料涂上去不会出现吸油的情况，多见于古代油画。有色底子是属于油性不吸收底子的。
有色底子的颜色：从应用来看，有色底子主要分为暖灰底子（主流）、冷灰底子和土红底子（这种底子用的人其实很少）。
暖灰的颜色特有所指,油画装饰画，是一种介于水泥和瓦楞纸之间的颜色，是偏黄的灰，暖灰的制作在古代包含铅白、黑、生褐、生赭这几种颜料，现代则由钛白代替了铅白，这以上几种颜色中铅白、钛白、生褐、生赭都属于干燥速度较快的颜料，适于做底子，但中国国产颜料符合这个技术标准的一样也没有，含油量都严重超标，还掺入过多慢干剂，做出来的底子质量会差。
冷灰底子：黑加白得到的灰色，古代也是用铅白，现代用钛白代替，但说实话铅白有着不可替代的厚重感和反光性质，钛白还是弱一些，当然别的白就更差了。
土红底子：就是土红颜色。
有色底子的制作方法：用以上配方中的油画颜料调和出适量的需要的颜色，之后掺入适量松节油，适当减少颜料粘稠度，用刮刀或宽刷子覆盖在已经加工好的胶粉底子上，底子一定要尽量薄，以不露底色为宜，也要平整均匀，是一项需要实践经验的工作。另外，关于颜料里的油，即便是国外的好颜料，很多画家在用之前都会用吸油纸，先把颜料挤在上边，放置一两天，尽量将颜料里多余的油吸收出来再调制有色底子，国产颜料则更是必须加以处理。
有色底子的作用：有色底子在古代油画技法中是很重要的一个环节，并非仅仅为了提供不吸收性而存在，它的颜色的作用更为突出。在作画时,油画无框画，画家会从中间调子开始设色,古典油画，这部分颜色一般是物体表面纯度较高，较接近固有色的部分，明度与有色底子比较接近，画上去不会有任何刺眼生硬或明度反差强烈的感觉，非常柔和舒适，之后才会逐渐分析并将暗部明度降低，亮部提亮，因为有灰色的底子，所以提亮过程中会用比较多的层次和饱满的颜色来覆盖它，同样，暗部则可以用薄而透明的颜色罩上去，自然形成古画亮部厚暗部薄的效果，不会像画在白底子上那么刺目或寡气，暗部也不会发死。
当然，暖色底子和冷色底子及土红底子的色彩倾向不同，画出来的画也完全不同，毕竟油画颜料是有透明度的颜色，要充分体现它这一特性才是油画，才具有油画的审美价值。
国内很多人画油画都和做蛋糕一样盲目追求厚，也完全体会不出油画和水粉的真正差别，画出来都是死颜色，如果是那种技法的话，根本就用不着有色底子，也最好别用油性底子，会剥落的。www.89yh.com
油质底子的特点及制作方法
油质底子的历史最为悠久，也最为普及，它主要用于画布，但也适用于木板等。油质底子基本上由胶底和油料层两部分组成。传统的底料为动物皮胶（多为兔皮），底涂料为油性涂料（亚麻仁油15克＋松节油15克＋铅白25克）。制作方法是：将皮胶兑水加热熔化，趁胶液温热时涂于画布，凉干后再涂上白色油质底涂料。底涂料中的油要尽可能少才能保证随后的着色层牢固。涂一层底涂料，画布就能使用，但若需要较平滑的表面，画布就要抹平，所以底涂料要涂二至三遍。作好油质底子的画布需放置数月才能使用，且时间越长越好，最理想的时间为半年。
油质底子属于弱吸收性底子，表面细腻，弹性强，耐撞击，耐潮湿。缺点是缺乏渗透性，没有胶质底子着色力强，年久会失去弹性，色层因脆化而龟裂，甚至脱落。另外油质底子易变黄。
自合成胶产生之后，现代画家多用白乳胶作底胶。作法是：将乳胶加水稀释后在画布上涂二至三遍，再用乳胶加少量的水，加立德粉（还可以在里面加上调色油），搅拌均匀后涂或刮于画布上。待干后，用油画颜料（通常用白，也可以加少许群青、土红等调成灰色）薄薄地刷上一层即可。
半油底
半油性底子的最后一层底料是半油半胶的涂层。油和胶的调和其实就是一种乳状调和剂！
（蛋黄 纯牛奶 白乳胶 甲基纤维素。。。。）所谓的乳状调和剂也是一个泛指，但在这里是不含达玛脂的乳剂。可以是水包油也可以是油包水。这种底子的最大特点就是从基底上避免了吸油现象的发生！
一 画布选择 什么样的画布画什么样的画。
1 帆布 ----- 因为棉的缩水率较亚麻大但是较为厚实，适合做小型张的画。处理起来简单，易用！（对于市场来说小幅画用帆布比亚麻布更让人接受）。
2 细纹 中粗纹亚麻布 使用范围较广，画印象或中长期的油画均可！
3 粗纹亚麻布 适合画那些大笔触大面积，颜料堆积较厚的长期的画！
二 优点 特征
1 油画吸油时颜料变的象“土”一样脏，晦暗。如果使用的是灰色系列色更是雪上加霜--象幅破烂一样！嘻嘻！半油性性底子制作得当基本上可以杜绝吸油的发生！
2 制作简单 材料简单 使用范围广 安全性高
3 底子柔软----- 存储 拆卷 颜料堆积等不会因为底子脆而产生裂痕。
4 施色容易 比较适合一次性画法。（个人认为一次性画法还是使用有色底子较好，因为颜料无论堆积再厚，若干年皂化以后仍然是透明或者半透明的，会透出底层色而显示出立体色！）
三 制作 刮好前两遍底料以后可以准备乳剂底料。
1 粉状底料（钛白粉） + 油性乳剂 。
2 油彩（白色或者其他颜料 也可以是调和色）+乳剂----- 建议使用。
A 油包水乳剂 ----- 找一个干燥的广口容器，要带盖子。 油 + 乳剂 摇匀以后备用。
B 水包油乳剂。 水 + 油 摇 + 乳剂。备用！特点是容易沉淀，其稀薄的特征适合那些需要精致纹路的画布，且随用随调。
a 有色底子 可以是纯色也可以是各种调和灰色，（曾经见到一位首师大的同行用水粉做底色----- 让我目瞪口呆）。 A油包水乳剂 + 适当油彩 + 松节油（稀释颜料用）使劲摇匀然后加水再摇。静置半天以后呈浓乳状，用刮刀在画布上刮一遍。其特点是底子含油较多！最后加水越多摇了以后越稠！ B水包油乳剂 + 油彩摇匀 + 水摇匀。然后刮涂画布。水越加的多越稀薄，易沉淀！
b 如果不想用纯色或者稍嫌调配色过灰，可以刮一遍纯色以后在刮一遍白色，形成的灰调子也相当诱人。掌握种做法需要考虑到底层色和表层色的关系。
⑩ 油画为什么要画灰色调
一、概括介绍有关色调方面的知识。
当你观看一幅绘画作品时，它所呈现在你眼前的总体色彩倾向性就是这幅绘画作品的色调。在绘画作品中，色调的类别是极为丰富的，从色彩的色相上来说，主要有红色调、绿色调、黄色调和紫色调等；从色彩的明度上来说，主要有明色调、中间色调、暗色调；而从色彩的纯度上来说，又有艳丽的鲜色调和质朴的灰色调。本篇文章在接下来的内容中将主要探究有关灰色调在绘画作品中的作用、灰色调的意义以及色彩对于人的情绪、色彩对于人的性格倾向等方面的重要性。
二、阐述自己在绘画时对灰色调的应用。
整天面对着高楼林立，人群拥挤的城市，我们的心里想些什么？思绪什么？寻求什么？是生存的压力还是片刻的安宁？每个人对色彩的认识和感觉都不同，我对灰色调绘画作品十分喜欢，通过对拆建场景的实地考察并记录资料，想借助画面来表达自己的内心情感。两幅画作均以拆建场景为题材，拆楼房的场景很容易让人想到噪杂的机器声和充满尘土的空气，这也是眼睛所能看到的真实场景，那么，如何借助客观的景物，用绘画的方式来传达自己的内心情感？在此，我是通过对画面色调的设置来实现的。
首先，我将画面整体色调设置为暖灰色调，将拆的零乱的楼房统一在一个静谧的氛围中，舍掉画面中的人物，这样就使灰色调的画面更显得寂静。在灰色调的基础上，造型以详尽描写为主，包括画面前方的钢筋和断裂的墙壁，这些都是为表达画面效果作辅助的，这样一来，画面传达出的不仅仅是一个寂静的场景，因为在寂静的场景背后又表露出一种安静的心态。
在生活中自认为有很多的压力，所以感觉经常有莫名的东西困饶着自己，这种心态在长时间的积压下，潜意识地表露在我自己的画面中，我想同一场景同一光线，不同的人可以画出完全不同感觉的绘画作品，甚至同一个人也可以画出不同的作品。之所以将纷杂的拆建场景统一在这样的一个氛围中，也许正是我内心的情感所至吧。
当然，有关色彩、色调的知识以及灰色调的意义绝不仅仅局限于此。
三、论述色调在具体生活中的意义、以及灰色调对人的心理作用。
一切可视的物体在光照中都会显示出一定的色彩。艺术家通过各种颜色的搭配及其浓淡变化使画面形成不同的色调，一方面为真实地再现现实服务，另一方面也是传达情感的重要手段。灰色调是绘画作品中经常出现的一种色调，它可以以一幅绘画作品的整体色调出现，也可以以局部色调的形式存在于一幅绘画作品中。灰色调一般给人留下的感觉是：稳重、质朴、老成、消极、成熟、平淡、含蓄、沉着、顺服等，所以对于灰色调来说，欣赏者也应当具有一定的修养。而华丽、鲜艳的色调很难谈及修养。举个例子：假使让小孩在一堆色块中挑选，他(她)们一定会将华丽、鲜艳的调选出来。很多成年人也不欣赏灰色调。就画家来说，对有关灰色调方面的知识应该是感兴趣的。灰色调在现实生活中的意义，就中西方而论，可能存在着较大的差异。首先有一个使用环境的因素：中国的经济与西方来比一直较落后，人们在较长的时间内生活都是比较拮据的，生活环境零乱，生活负担也较为沉重，对于华丽明快的亮色调而言是缺少的。在人们心里需求的作用下，民间艺术，如：剪纸、年画等的颜色都呈现出鲜艳明亮的特征，这些都在灰暗的环境中显得十分醒目、精神。工业化的迅速发展给一些西方国家在审美观念上较早地作了铺垫，繁华的城市里，在五彩缤纷、灯火辉煌的环境中，灰颜色反而显得更加醒目、更加突出。如果你注意过西方美术史，就会发现野兽派马蒂斯(Henri Matisse)的作品中渗透着东方艺术中浓重艳丽的色彩和精湛的线条造型。他的作品在保持着东方艺术中浓重艳丽的色彩的同时，又调入了类似补色的其他颜色，这样，含了灰色的颜色既艳丽又沉着。在这里，我们看到了灰色和其它颜色的和谐统一。随着经济的不断发展，中国人的消费需求在一些领域也逐渐融入含灰色调的产品，在服装颜色设计方面更为突出，对于普及含灰色调的审美修养起到了重要得作用。
人们的视觉对色彩有一种经验感受，通过人们视觉经验的联想，不同的色彩可以引起人们不同的生理和心理感应，产生诸如寒暖、轻重、软硬、远近、明快与阴森、兴奋与沉静、华美与朴质等等不同心理感受。一般来说，随色彩产生的感情，既有个人特有的内容，又有根据观察色彩时的状态而变化着的内容，但多数人会产生类似的色彩感情，这也就是色彩所具有的表性和寓意性。具体来说，色彩造成人的联想有两种情形，其一是使人联想到具体事物，比如看到白色联想到雪，看到绿色联想到植物；其二是具体联想基础上产生的抽象观念的联想，比如由白色联想到纯洁、清白，看到绿色联想到生命、和平、希望等等。艺术家们正是利用色彩的这种表情性征增强画面的情绪感染力，把作者的思想情感传达给观者，可以说色彩是绘画语言诸要素中最具情感特征的因素。
四、 阐述灰色调绘画作品和画家本身的联系。
色彩的重要作用历来为画家所重视。③意大利文艺复兴之前的画家，特别是东方画家，把色彩作为一种表达手段来运用。西方古典主义绘画中，把色彩看作是增强描绘对象的真实感和逼真感的重要手段，强调的是它的摹似状物功能。现代主义画家则更强调色彩的表情特征，认为色彩本身就具有主题意义。在绘画作品中，同样是灰色调，因为有冷暖色调的不同，所以给观看者造成的心理感受也不同。如果是一幅暖灰色调绘画作品，可能会给观看者留下温暖、平静的感受；但如果是偏蓝或者是偏绿的冷灰色调，则会给观看者留下凉爽、清静的感受。绘画作品呈现出众多的不同色调，是因为和绘画者本身也存在着紧密的联系，绘画作品是画家情绪的一个载体，不同的人生经历、不同的审美眼光、不同的情趣爱好及气质修养，这些多多少少都会在绘画作品中流露出来。同一对象，不同的绘画者会画出完全不同感觉的作品。也正是在诸多因素的基础上，绘画作品出现了极为多样的色彩倾向及色调。鲜色调绘画作品总是给人华美、浪漫、新鲜、热闹的感受，而灰色调绘画作品留给人的印象又是含蓄、平静、成熟和稳重等。在创作一幅绘画作品时，画家的主体意识是决定绘画作品最终色调的重要因素。画家也经常通过作品的色调来表现自我的内心意识。在一幅绘画作品的创作过程中，难免涉及到画家的性格情趣以及个人在绘画方面的认识等。色彩所固有的特性，不是把世界作为一种物质的现象来表达，而是作为一个现实中唯一存在着的世界——画家脑海中的世界来表达。中国画论有所谓“意在笔先”的说法，“意”就是“立意”，“意象”“意趣”等。也就是说：当绘画者在看到所要画的对象时已经在脑海中有了最终绘画作品将要呈现出的效果的意识，以及采取何种手段来描绘对象，来设置所要描绘对象的色调。由纯度比较高的色彩构成的亮调子作品通常令人赏心悦目、一览无余，但似乎少了一些让人联想和回味的东西，正是应为这个原因，绘画者将通过对色调的主观设置，通过灰色调来绘画出自己想要的更为含蓄，更耐人寻味的作品。
由物质所滋养，由意识所再现的色彩，能表达每个物体的本质，同时能引起观众突变的情绪。一般而言，一幅绘画作品中的色彩会留给人两种感受。一种是单纯的感官效果，即眼睛本身被色彩的美和其它特性的魅力所吸引，使你感到满足和愉快，正如一个美食家尝到了美食，或者说你看到了美食以后对你的舌头会产生刺激作用，但这种感觉不会持久，因为当你看到别的东西时这种感觉就会被淡化。另一种是相对色彩的感染力而言的，对于一个较敏感的心灵，色彩的效果就会更深刻，感染力更强，即色彩的心理效果。灰色调以单独的色彩形式存在于绘画作品中，在色彩的心理效果上会给人造成一种特有的感受，在观看灰色调绘画作品时，人们的心理印象可能会通过联想产生一个相应的感觉反应，诸如：内敛、孤寂、悲伤和忧郁等。在这种情况下，绘画作品通过色调及灰色调的形式唤起一种相应的生理感觉，和人们的心灵发生强烈的共鸣作用，这也就是在实践中灰色调对于我们的意义。